🎬 SHE WILL

Cuando una actriz veterana se retira a una clínica aislada en Escocia para recuperarse de una mastectomía, comienza a experimentar visiones que la conectan con la memoria de mujeres perseguidas en ese mismo territorio; entonces debe enfrentar el trauma del abuso que sufrió en su juventud por parte de un poderoso director, a pesar del miedo y la fragilidad que la acompañan, o de lo contrario permanecer atrapada en el silencio que ha marcado su vida.

Dir. Charlotte Colbert | Estados Unidos | 2021.

Hay películas que parecen surgir de una pregunta incómoda. “She Will" parece haber nacido, precisamente, de una de esas preguntas que resuenan con fuerza en la cultura contemporánea: ¿qué ocurre cuando una mujer decide recuperar el control de la narrativa de su propio cuerpo? En lugar de ofrecer una respuesta lineal, la película construye una atmósfera inquietante y casi hipnótica donde memoria, trauma y deseo de reparación se mezclan con elementos del horror psicológico y del imaginario gótico. El resultado es una obra que no busca tranquilizar al espectador, sino invitarlo a mirar, con cierta incomodidad, los mecanismos de poder que han atravesado históricamente la representación del cuerpo femenino.

Dirigida por Charlotte Colbert, artista visual, “She Will” se inscribe en una tradición contemporánea de cine fantástico que utiliza el horror como territorio simbólico para explorar la violencia hacia las mujeres. En los últimos años, diversas cineastas han recurrido a este género para abordar experiencias de opresión, trauma y resistencia: desde el cine corporal de Julia Ducournau hasta los relatos de venganza espectral que dialogan con una genealogía del horror crítica. En ese contexto, la película de Colbert no pretende reinventar el género, pero sí desplazar su centro emocional: el horror ya no proviene únicamente de lo sobrenatural, sino de la historia misma del poder sobre los cuerpos de las mujeres.

La premisa narrativa es aparentemente sencilla, pero cargada de resonancias simbólicas: cuando Verónica Ghent (Alice Krige), una actriz veterana que ha sobrevivido a una mastectomía viaja a una remota zona de Escocia para recuperarse, comienza a experimentar visiones perturbadoras que la conectan con la memoria de mujeres perseguidas y violentadas en ese mismo territorio. A partir de ese incidente, debe enfrentarse a los fantasmas de su propio pasado, incluido el abuso sufrido en su juventud por un influyente director, a pesar de la fragilidad física y emocional en la que se encuentra, o de lo contrario permanecer atrapada en una narrativa de silencio que ha definido su vida durante décadas.

La historia se desarrolla como una lenta inmersión en la psique de su protagonista. Más que un relato de acción, la película propone una exploración introspectiva donde los límites entre sueño, recuerdo y realidad comienzan a desdibujarse. En ese proceso, Verónica no solo revisita un trauma personal; también se conecta con una memoria colectiva de violencia que atraviesa la historia europea: la persecución de las llamadas “brujas”, mujeres castigadas por desafiar normas sociales o simplemente por existir fuera del orden establecido.

Desde su concepción formal, Colbert privilegia una estética sensorial que remite tanto al cine de horror atmosférico como al universo del arte contemporáneo. La dirección opta por un ritmo pausado que permite que cada escena se despliegue como una imagen cargada de significado. La cámara se detiene en detalles aparentemente mínimos como: la textura de la tierra negra, la humedad de los bosques, la quietud inquietante de los interiores, así crea una atmósfera donde lo sobrenatural parece emerger del propio paisaje.

La fotografía contribuye decisivamente a esta sensación. Los encuadres privilegian composiciones que aíslan a la protagonista dentro de espacios amplios y silenciosos, reforzando su estado de introspección. En varias secuencias, el cuerpo de Verónica aparece fragmentado o parcialmente oculto por la oscuridad, un recurso que remite simbólicamente a la experiencia de un cuerpo intervenido quirúrgicamente, pero también a la invisibilización histórica de las mujeres en la narrativa cultural.

En términos de lenguaje cinematográfico, el film trabaja con un juego constante entre proximidad e inquietud. Los planos cerrados sobre el rostro de la protagonista permiten percibir cada matiz de su expresión: la mezcla de cansancio, rabia contenida y determinación que define su proceso interior. La actuación de Krige resulta crucial para sostener el tono del relato; su interpretación evita el dramatismo excesivo y apuesta por una presencia silenciosa que transmite la complejidad emocional del personaje.

El diseño sonoro refuerza esta dimensión psicológica. Los sonidos del entorno natural como: viento, agua y crujidos del bosque, se integran en la banda sonora como elementos casi orgánicos, mientras que la música aparece de manera contenida, enfatizando los momentos en que la realidad parece resquebrajarse. El resultado es una experiencia sensorial donde la percepción del espectador se vuelve tan incierta como la de la protagonista.

La dirección de arte, por su parte, despliega un imaginario visual que combina referencias al gótico europeo con elementos del simbolismo contemporáneo. La tierra oscura que rodea el retiro donde se desarrolla la historia, adquiere una dimensión casi ritual: es el espacio donde las memorias reprimidas resurgen, pero también donde puede gestarse una forma de transformación.

“She Will" resulta particularmente interesante por la forma en que problematiza la mirada cinematográfica, es decir, tradicionalmente, el cine ha situado el cuerpo femenino como objeto del deseo masculino. En la película de Colbert, sin embargo, la cámara rara vez sexualiza el cuerpo de su protagonista. Por el contrario, lo presenta como un territorio marcado por la experiencia: la enfermedad, la edad, el trauma y la resistencia.

Este desplazamiento resulta significativo porque cuestiona uno de los supuestos más arraigados del cine: la asociación entre feminidad y juventud, belleza o disponibilidad visual. Verónica es una mujer mayor cuyo cuerpo ha sido transformado por la cirugía. Sin embargo, la película no oculta esa transformación; la integra como parte de su identidad. En lugar de convertirla en objeto de contemplación, la narrativa la sitúa como sujeto de experiencia y de mirada.

Por otra parte, “She Will” muestra que el trauma central del personaje se origina en una relación abusiva con un director poderoso, lo que convierte al propio cine en el escenario donde se reproduce una estructura de dominación. La película sugiere así una reflexión incómoda sobre el poder dentro de la cultura audiovisual: ¿quién tiene la autoridad para contar las historias? ¿Quién decide cómo se representan los cuerpos?

En este sentido, la obra dialoga con debates contemporáneos surgidos a partir de movimientos como #MeToo, que han expuesto las dinámicas de abuso dentro de la industria del entretenimiento. Sin convertir ese tema en un discurso explícito, la película lo incorpora como una sombra persistente que atraviesa la memoria de la protagonista.

La dimensión performativa de la feminidad aparece de manera sugerente. Verónica fue durante décadas una actriz que interpretaba papeles construidos desde la mirada masculina. En su retiro forzado, esa identidad comienza a resquebrajarse. La película parece preguntarse si la feminidad que ella representaba en pantalla era realmente suya o una construcción impuesta por la industria.

La conexión con la memoria de las “brujas” introduce otra capa simbólica. En la historia europea, estas figuras han sido interpretadas tanto como víctimas de persecución y como símbolos de resistencia femenina. Colbert utiliza ese imaginario para vincular el trauma individual con una genealogía histórica de violencia contra las mujeres. El horror, entonces, deja de ser únicamente sobrenatural y se convierte en una metáfora del peso de la memoria colectiva.

Es importante decir que el film se sitúa en un momento donde el cine contemporáneo explora nuevas formas de representar la experiencia de las mujeres. En lugar de reproducir narrativas de victimización pasiva, muchas películas recientes buscan representar procesos de reapropiación del cuerpo y de la historia. La obra de Colbert participa de esa tendencia, aunque lo hace desde un registro más contemplativo que confrontativo.

Su propuesta puede resultar desafiante para quienes esperan del horror una narrativa más convencional. El ritmo deliberadamente lento y la ambigüedad narrativa exigen una disposición distinta por parte de quien mira. Sin embargo, precisamente en esa ambigüedad reside gran parte de su fuerza: la película no ofrece respuestas cerradas, sino imágenes que permanecen en la memoria.

En última instancia, “She Will" funciona como una puesta en escena sobre la relación entre memoria, cuerpo y poder. Su horror surge de la historia misma de cómo los cuerpos de las mujeres han sido narrados, representados y, con frecuencia, silenciados.

Más que una película de terror en sentido estricto, se trata de una experiencia sensorial y simbólica que invita a reconsiderar las formas en que el cine puede representar la violencia y la resistencia. No es una obra destinada a todos los públicos: su ritmo pausado y su tono introspectivo pueden desconcertar a quienes buscan un relato más directo. Pero para quienes se interesan en propuestas singulares que entrecruzan horror psicológico y reflexión, “She Will" puede ser una opción.

Quizá su mayor logro sea recordarnos que el cuerpo, incluso cuando ha sido marcado por el dolor, sigue siendo un espacio de memoria y de poder. Y entonces queda flotando una pregunta inevitable: cuando una mujer recupera la autoridad sobre la historia de su propio cuerpo, ¿qué relatos ocultos comienzan finalmente a emerger?

Marinú